Welcome to the home of the United States in Djibouti.
During my thirty-five years as an American diplomat on four continents, I’ve found that one of the most meaningful ways to understand a country is through its culture. Culture reflects a people’s history, values, and identity—it’s reflected in the language, the food, the music, the art, and the traditions passed from generation to generation. It is through these expressions that we truly come to know one another.
That is why I am honored to exhibit in my home works of art that represent not only American culture but also its intersections with Djibouti’s rich traditions. Read More
Bienvenue à la résidence des États-Unis à Djibouti.
Au cours de mes trente-cinq années en tant que diplomate américaine sur quatre continents, j’ai découvert que l’une des façons les plus significatives de comprendre un pays est à travers sa culture. La culture reflète l’histoire, les valeurs et l’identité d’un peuple — elle s’exprime dans la langue, la cuisine, la musique, l’art et les traditions transmises de génération en génération. C’est à travers ces expressions que nous apprenons véritablement à nous connaître.
C’est pourquoi je suis honorée d’exposer dans ma résidence des œuvres d’art qui représentent non seulement la culture américaine, mais aussi ses croisements avec les riches traditions djiboutiennes.Read More
R. Gordon Arneson was a prominent painter, military leader, and federal employee. He painted in acrylics, holding a dozen solo shows, including ones at the Foreign Service Club and National Arboretum. While a lieutenant in the U.S. Army in 1945, Arneson served as secretary to the Interim Committee on Atomic Energy. This specialized committee, appointed by Secretary of War Henry Stimson, provided advice on matters that concerned the atomic bomb and the future development of atomic energy. Later, Arneson served in the State Department as a special assistant, first to the Under Secretary of State and then to the Secretary of State, dealing with atomic energy matters.
R. Gordon Arneson était un peintre renommé, un chef militaire et un fonctionnaire fédéral. Il peignait à l’acrylique et a organisé une douzaine d’expositions personnelles, notamment au Foreign Service Club et à l’Arboretum National. En tant que lieutenant de l’armée américaine en 1945, Arneson a été secrétaire du Comité intérimaire sur l’énergie atomique. Ce comité spécialisé, nommé par le Secrétaire à la Guerre Henry Stimson, conseillait sur des questions liées à la bombe atomique et au développement futur de l’énergie atomique. Par la suite, Arneson a travaillé au Département d’État en tant qu’assistant spécial, d’abord auprès du sous-secrétaire d’État, puis auprès du secrétaire d’État, sur les questions relatives à l’énergie atomique.
In his textile work, Tim Harding uses free reverse applique, a technique that utilizes the intrinsic properties of textiles and fosters an interplay of surface and structure. To create the illusion of three-dimensional space on the picture plane, he employs painterly methods like light and shadow, figure and ground, and perspective. Harding layers his textiles to obscure and reveal images beneath their surfaces. Based on an enlarged photograph of surface scales from a butterfly wing, Winged reflects “the influences of luster and iridescent in the natural world and how they show up in various forms of indigenous art.” The artist likens this textile to ethnographic artifacts from museums and galleries, like pre-Columbian feather capes and African ceremonial garments.
Dans ses œuvres textiles, Tim Harding utilise l’appliqué inversé libre, une technique qui exploite les propriétés intrinsèques du textile et favorise une interaction entre surface et structure. Pour créer l’illusion d’un espace tridimensionnel sur le plan de l’image, il emploie des méthodes picturales telles que la lumière et l’ombre, la figure et le fond, ainsi que la perspective. Harding superpose les textiles afin de masquer ou révéler les images sous-jacentes.
Basée sur une photographie agrandie d’écailles de surface d’une aile de papillon, l’œuvre Winged (Ailé) reflète « l’influence de la brillance et de l’iridescence dans le monde naturel et leur présence dans diverses formes d’art autochtone ». L’artiste compare cette œuvre textile à des objets ethnographiques exposés dans les musées et galeries, tels que les capes à plumes précolombiennes ou les habits cérémoniels africains.
– Amber Jensen –
Merging traditional, ancestral techniques with bespoke improvisations, painter, weaver, and teacher Amber Jensen fashions stories and symbols out of thread and cloth. Jensen compares her weavings and patterns to European American woven coverlet patterns and finely detailed sampler embroideries. a tree, from a bare seed of potential, the self can become was woven in a historical overshot pattern called wheel and cross, then layered with hand-stitched patchwork and woolen leaves, all in monochromatic green hues. Inspired by Jensen’s memory of a woodland hike in the American Midwest, this textile features a verdant bed of moss, lichen, and leaves that bring shelter and comfort for wildlife. In tidal currents, rhythmic pull of sun and moon, Jensen orchestrated a new stitch as one continuous thread and poured pools of blue dye onto the wool felt, allowing the dye to drop along the edges and saturate the wool in concentrated areas. “As the process unfurls, missteps are made,” she said. “I respond by adding dye, adding more stitches. Missteps become essential, an informed progression towards something deeper. The chains of x’s parade across, connected at the back. I describe them as ‘holding hands.’ They seem to wade through the blueness, awash in possibility.”
Combinant techniques traditionnelles et ancestrales avec des improvisations sur mesure, l’artiste peintre, tisserande et enseignante Amber Jensen tisse des récits et des symboles à partir de fil et de tissu. Elle compare ses tissages et motifs aux couvertures tissées euro-américaines et aux broderies d’échantillons finement détaillées. Son œuvre a tree, from a bare seed of potential, the self can become (un arbre, d’une simple graine porteuse de potentiel, le soi peut s’épanouir) est tissée selon un motif historique appelé wheel and cross (roue et croix), puis enrichie de patchwork cousu main et de feuilles en laine, le tout dans des teintes monochromes de vert. Inspirée par un souvenir de randonnée en forêt dans le Midwest américain, cette pièce évoque un lit verdoyant de mousse, de lichen et de feuilles, offrant abri et réconfort à la faune. Dans tidal currents, rhythmic pull of sun and moon (courants de marée, traction rythmique du soleil et de la lune), Jensen invente un nouveau point à partir d’un fil continu et verse des bains de teinture bleue sur de la feutrine de laine, laissant les pigments se concentrer aux bords. « Au fil du processus, des erreurs surviennent », explique-t-elle. « J’y réponds en ajoutant de la teinture, plus de points. Les erreurs deviennent essentielles, une progression éclairée vers quelque chose de plus profond. Les chaînes de croix avancent, reliées à l’arrière. Je les décris comme ‘se tenant la main.’ Elles semblent traverser la profondeur bleue, baignées de possibilités. »
Painter, illustrator, and printmaker Reginald Marsh was renowned for his lively depictions of burlesque shows, throngs of crowds at Coney Island, and bustling ship harbors. Rendered in egg tempera, oils, ink, and watercolor, Marsh’s busy, muddy scenes are infused with social realism. Although he was known for his paintings of New York City, Marsh also documented his extensive travels throughout the United States and abroad. The artist would return to his favorite spots, capturing immediate impressions in his sketchbook and taking preparatory photographs.
Peintre, illustrateur et graveur, Reginald Marsh était réputé pour ses représentations animées de spectacles de burlesque, de foules massées à Coney Island et de ports maritimes animés. Réalisées à la détrempe à l’œuf, à l’huile, à l’encre et à l’aquarelle, ses scènes denses et aux tons terreux sont imprégnées de réalisme social.
Bien qu’il soit surtout connu pour ses tableaux de New York, Marsh a également documenté ses nombreux voyages à travers les États-Unis et à l’étranger. L’artiste revenait régulièrement dans ses lieux favoris, où il capturait ses impressions immédiates dans des carnets de croquis et prenait des photographies préparatoires.
In his abstract landscapes and seascapes like Surging Sea, Jason Schoener developed a distinctive technique using vibrant oils, acrylic colors, and transparent watercolors. Schoener’s oil compositions were influenced by his travels through Scotland, Greece, and Latin America. Other subject matter included floral still lifes, naval operations scenes, and landscapes around his home in Georgetown, Maine. A critic from The Late Chronicle once wrote that Schoener “studies nature closely and transforms its moods into images with exceptional imagination and skill…he possesses a remarkably sensitive touch in matters of color and surface effect.”
Dans ses paysages et marines abstraits, comme Surging Sea (Mer Déferlante), Jason Schoener a développé une technique distinctive alliant huiles vibrantes, acryliques colorées et aquarelles transparentes. Ses compositions à l’huile ont été influencées par ses voyages en Écosse, en Grèce et en Amérique latine. Il a également représenté des natures mortes florales, des scènes d’opérations navales et des paysages autour de sa maison à Georgetown, dans le Maine.
Un critique du Late Chronicle a écrit que Schoener « étudie la nature de près et transforme ses humeurs en images avec une imagination et une maîtrise exceptionnelles… il possède un sens remarquable de la couleur et des effets de surface. »
A lifelong resident of Northfield, Minnesota, Kathy Weed grew up learning how to sew at a young age; she entered projects at the Rice County Fair and designed her own clothes as a teenager. As she began raising a family of her own, Weed started quilting full-time. Inspired by her travels and experiences, her art quilts incorporate vivid colors and 100% cotton. She sketches the design, decides on multiple color combinations, and cuts the fabric to eventually combine the pieces into a collage format. “I’m truly taken by the process: transforming fabric into my vision of nature,” she says.
Résidente de longue date de Northfield, dans le Minnesota, Kathy Weed a appris à coudre dès son plus jeune âge. Elle présentait déjà ses créations à la foire du comté de Rice et concevait ses propres vêtements à l’adolescence. En fondant sa propre famille, Weed s’est tournée vers le quilt à temps plein.
Inspirés par ses voyages et ses expériences, ses quilts artistiques se distinguent par leurs couleurs vives et l’utilisation exclusive de coton 100 %. Elle commence par esquisser le motif, choisit plusieurs combinaisons de couleurs, puis découpe les tissus pour les assembler sous forme de collage. « Ce qui me passionne, c’est le processus lui-même : transformer le tissu en ma propre vision de la nature », explique-t-elle.
